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Cómo comenzar una línea de moda: secretos de una diseñadora de Project Runway

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Cuando Sarah Donofrio recibió su título de diseño de moda, salió al mundo real con el mismo interrogante que revolotea en las mentes de los creativos de todas clases: ¿y ahora qué?

La escuela de moda le enseñó a adaptar patrones, costura, dibujo y drapeado.  También aprendió a realizar una costura francesa espectacular, así como todo lo relacionado con el entalle. Sin embargo, su formación educativa no la preparó para comenzar su propia línea de ropa.  Estas habilidades las aprendió durante los últimos 11 años, trabajando para otras marcas y asumiendo riesgos.

Crear tu propia línea de ropa y alcanzar el éxito en el frenético mundo de la moda, requiere un conjunto de destrezas específicas, una buena dosis de creatividad, experticia de negocios, además de  mucho coraje y compromiso.

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Foto cortesía itsbooyeah

Sarah es una de mis mejores amigas, pero su protagonismo en este artículo no surgió del nepotismo.  En realidad ella es el caso de estudio perfecto para esta guía sobre cómo comenzar tu propio negocio de moda.  Sarah ha vivido y trabajado en dos países y su experiencia abarca el diseño, la producción, la enseñanza, el ecommerce, las ventas por consignación, el comercio al mayor y el comercio minorista en tiendas pop-up.

He sido testigo de sus luchas y progresos durante los últimos años.

En 2016, Sarah participó en la temporada número 15 del programa de realidad Project Runway (en inglés).  Recientemente, cambió su marca de línea de ropa, lanzó su tienda online en Shopify y abrió su tienda pop-up One Imaginary Girl en Portland, EE.UU.

En este artículo exploraremos todo lo que necesitas saber para comenzar una línea de ropa desde cero, empezando por la formación necesaria, pasando por el diseño y la manufactura, hasta las redes sociales, y utilizaremos la historia de Sarah como hilo conductor.

Destrezas y Formación

Diseñadores como Vivienne Westwood y Christian Lacroix alcanzaron gran éxito a pesar de que fueron autodidactas y comenzaron sus carreras antes de la llegada del internet. Actualmente, vivimos en la era de la información, donde se puede aprender a reconstruir un motor o confeccionar una camisa simplemente viendo un video de YouTube, así que es posible saltarse la escuela e igual lograr el éxito en la industria de la moda. Sin embargo, la educación formal, bien sea en el salón de clases o en línea tiene sus méritos, ya que permite aprender los últimos estándares de la industria, tener acceso a recursos y equipos, hacer contactos y obtener retroalimentación.

Aunque Sarah le debe mucho de su éxito al aprendizaje de destrezas profesionales en el salón de clases, gran parte de sus conocimientos los adquirió en el mundo real.  Al terminar la universidad, Sarah comenzó a trabajar en el mundo corporativo en compras al por menor y desarrollo de productos para grandes compañías como WalMart y Jean Machine.

“En Jean Machine tenía un poco más de libertad creativa que en WalMart, pero sabía que no iba a avanzar si me quedaba trabajando en el mundo corporativo. No quería trabajar para una compañía grande, tampoco quería trabajar para una pequeña, quería trabajar para mí misma, pero sentí que era importante obtener esa experiencia corporativa”.

No quería trabajar para una compañía grande, tampoco quería trabajar para una pequeña. Quería trabajar para mí misma.

Aunque la educación formal ofrece conocimiento técnico, Sarah cree que es fundamental pasar algunos años aprendiendo los aspectos fundamentales del negocio a través de otras marcas y diseñadores.

“Esas experiencias corporativas me enseñaron muchas cosas.  Mucha gente joven obtiene seis meses de experiencia y piensa ‘Bueno, perfecto. Ahora estoy listo para dar el salto a mi propio negocio’. Pero la experiencia es muy valiosa.  Me tomó mucho tiempo sentirme lo suficientemente confiada para pensar en llenar una tienda con mi ropa.  Creo que necesitaba el tiempo para crecer, y para obtener consejos y ganar experiencia.”

Sarah culminó su educación en un programa de 3 años en una universidad de Toronto, Canadá.  Muchas instituciones ofrecen diseño de moda y programas de negocios en distintos formatos.  Escuelas como Parsons en New York y Central Saint Martins en el Reino Unido son reconocidas en todo el mundo por sus programas de moda.

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Foto:Feinknopf

Sin embargo, si tienes más entusiasmo que dinero o tiempo, existe una gran cantidad de cursos cortos en línea para aquellos que desean iniciarse en el mundo de la moda.  A continuación, te presentamos algunas opciones que puedes considerar:

En inglés:

En español:

 

Sarah ha incursionado en la docencia, y utiliza su plataforma para enseñar a los principiantes los aspectos importantes del negocio de la moda, que ella tuvo que aprender por experiencia propia.

“El curso que desarrollé para el Centennial College estuvo más orientado a los negocios.  El propósito es enseñarles a los estudiantes acerca de compras al detal, manufactura, y lo que se requiere para confeccionar cada pieza.  Por ejemplo, con una blusa, los costos no se reducen únicamente a la tela, botones y mano de obra; también debes considerar gastos de envío, aire acondicionado o calefacción y alquiler.  Incluso, debes contemplar la tela desperdiciada en los casos en los que el tinte se destiña, por ejemplo.  En retrospectiva, me hubiese gustado tomar un curso como ese”.

Por ejemplo, con una blusa, los costos no se reducen únicamente a la tela, botones y mano de obra.  También debes considerar gastos de envío, aire acondicionado o calefacción y alquiler.

Marca y tendencias

Después de dejar sus trabajos corporativos, Sarah lanzó la colección que lleva su nombre, a la vez que mantenía varios trabajos de día (y de noche). Ella se dedicó a su pasión mientras trabajaba como camarera, DJ y en una boutique de vestidos de novia.

A través de sus años desarrollando su marca como ocupación secundaria, Sarah aprendió que aunque seguir las tendencias es fundamental, es igual de importante mantenerse enfocado.  Apóyate en tus fortalezas y sé fiel a tus sensibilidades de diseño.

“Cuando te gradúas de la escuela de diseño de moda, quieres hacer brasiers o sujetadores, vestidos de gala y pantalones ajustados.  El truco es descubrir en qué eres bueno y enfocarte en eso.  Cuando comencé, tenía unas 25 piezas en mi colección.  Desde entonces, hago cápsulas, que si tres blusas en diferentes estampados, por lo que tenía unas seis u ocho piezas y seguía repitiéndolas.  Ahora me enfoco mucho en los estampados, así que diseño cinco o seis estampados y los pruebo en cuerpos reales.  Pero siempre me estoy actualizando.  Por ejemplo, el otro día noté que la manga de una de mis blusas estaba muy ajustada en la axila, algo que me pareció muy cool en un momento, pero ahora la he cambiado.”

Cuando te gradúas de la escuela de diseño de moda, quieres hacer brasiers o sujetadores, vestidos de gala y pantalones ajustados.  El truco es descubrir en qué eres bueno y enfocarte en eso.

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Foto cortesía de One Imaginary Girl

Aunque su línea se mantiene consistente de un año al otro (el estilo de sus piezas es suyo sin duda), Sarah siempre está pendiente de las tendencias.  Ella afirma que la clave es adaptar las tendencias a tu marca, personalizándolas y haciendo que funcionen para tu cliente.

“Siempre he tenido una buena intuición en lo que se refiere a las tendencias, pero todo se basa en saber interpretarlas.  Es algo que me tocó hacer mucho en WalMart porque también trabajé en las colecciones de tallas grandes, y tenía que determinar cuáles tendencias de la colección principal se adaptaban mejor a las tallas grandes.  Probablemente un vestido tejido ajustado de tiras no sea lo que la cliente de talla grande esté buscando, por lo que entonces puedes alterar la pieza un poco y colocar una tira más ancha.”

Sarah igual toma en cuenta lo que está ocurriendo actualmente en la moda y lo incorpora en sus creaciones.

“Por ejemplo, fíjate en la moda de la ropa deportiva como vestimenta casual. Yo no confecciono mallas ajustadas o sujetadores deportivos, pero pienso ‘esta camiseta tejida se vería fenomenal con mallas ajustadas’, y  entonces de esa forma le saco partido a la tendencia”.

En el bullicioso mundo de la moda, considera encontrar nichos o cubrir necesidades específicas en la industria, como han hecho estos inspiradores comerciantes de Shopify:

Recuerda que tu marca va más allá de tu logo y el diseño de tu colección.  En este sentido, utiliza las redes sociales para crear un estilo de vida en torno a tu marca: comparte tus fuentes de inspiración y proceso creativo e inyéctale tu propia personalidad y ten un propósito deliberado con cada publicación.

“La clave de las redes sociales es la consistencia.  Debes realizar publicaciones a diario, pero también deben ser interesantes.  Debes evitar aburrir a tus seguidores.   Yo trato de variar mis publicaciones entre celebridades, fotos de la tienda, lugares a los que viajo, etc.  También juego con las estadísticas de Shopify. Por ejemplo, si noto que un artículo determinado ha recibido muchas visualizaciones, lo pongo en las redes sociales para aprovechar el impulso”.

La clave de las redes sociales es la consistencia.  Debes realizar publicaciones a diario, pero también deben ser interesantes.  Debes evitar aburrir a tus seguidores. 

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Inspiración

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Foto: Delpozo Inspiration cortesía de Elle

Conviértete en un lector ávido de blogs de moda y un conocedor experto de los distintos diseñadores, sigue a los principales Instagrammers de estilo urbano, y suscríbete a los boletines de moda para mantenerte inspirado y atajar las tendencias antes de que surjan.  A continuación, te presentamos algunas opciones con las que puedes comenzar:

Diseño y desarrollo

Sarah opina que la libreta de bocetos es una de las herramientas más importantes de un diseñador.  Ella es milenial, pero solo por un tecnicismo (a penas por un año) y, al igual que yo, creció utilizando el papel y lápiz.

“Llevo mi libreta de bocetos a todas partes.  Mientras hago bosquejos, muchas veces pienso ‘este dibujito quedaría muy bien como un patrón repetido’. Eso fue lo más difícil mientras participé Project Runway. No podía tener mi cuaderno de bocetos conmigo, ni nada parecido, por lo que no podía dibujar. Eso me desconcertó un poco.”

Aunque ella ha aceptado la tecnología en muchas formas, enfatiza la importancia de dibujar y garabatear, sin importar el medio.

“En mi vida todo comienza con en una libreta de notas, incluso un correo electrónico, así que todo lo hago a mano y luego lo paso a Illustrator. Siempre es una mezcla entre nueva tecnología y libretas de nota llenas de garabatos.  Ahora, estoy utilizando Graphic para Ipad Pro.  Asimismo, el Apple Pencil cambió drásticamente la forma en la que diseño estampados.  Es tan natural como usar lápices tradicionales y el  cuaderno de bocetos.

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Dibujo: Sarah Donofrio

Herramientas para el diseño de moda, dibujo y boceto de patrones:

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Foto:  Skinny Sweats studio cortesía de Matt Wiebe

Aunque en la actualidad Sarah subcontrata la mayor parte de su producción a fábricas locales, sigue confeccionando todas sus muestras a mano.

“Siempre he considerado que si eres una diseñadora de ropa, debes confeccionar tus propias muestras, ya que de esa forma realmente entenderás el proceso de construcción de la pieza.  Así cuando envíes la muestra a manufactura, sabrás perfectamente lo que está ocurriendo.  Si las fábricas saben que conoces con detalle el proceso de confección, entonces no vendrán con cuentos raros, ni tratarán de inflar los costos de producción”.

Producción

Muchos diseñadores en ascenso llevan a cabo su propia producción.  Quizás la confección a mano es una piedra angular de tu marca, así que siempre participarás en la producción, incluso cuando tu negocio haya crecido.  Sin embargo, el crecimiento, por lo general implica tener que subcontratar al menos una parte del trabajo.

Adrienne Butikofer de Skinny Sweats todavía cose a mano cada artículo de su colección, pero ha contratado a un pasante para liberar algo de tiempo, y subcontrata el teñido de sus prendas a una fábrica.

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Foto:  Skinny Sweats studio cortesía de Matt Wiebe

Si comienzas trabajando desde tu casa, asegúrate de acomodar tu estudio de forma tal que la producción fluya de una máquina a la otra fácilmente, contempla un espacio de almacenamiento amplio, toma en cuenta la ergonomía y conviértelo en un lugar inspirador en el que te sientas motivado a pasar tiempo.

Adicionalmente, combate la soledad y ahorra dinero en equipos trabajando en espacios compartidos como Sew FYI en California, EE.UU., Mucha Fibra en Barcelona o La Manual en Madrid, ambos en España. Art Connect tiene un directorio de espacios creativos en Alemania, España, Londres y Nueva York.

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Foto:  Estudio compartido Manufacture NY, cortesía de Epoch Times

En sus inicios, Sarah producía su línea ella sola con sus propias manos, pero posteriormente, a medida que su negocio creció, comenzó a subcontratar algunos aspectos de su producción a costureras locales. Ahora trabaja con fábricas y ocupa su tiempo en construir su marca, desarrollar nuevas colecciones y en expandir su nuevo canal minorista.

“Puedo manejar producciones pequeñas, pero en general estoy subcontratando la manufactura para la próxima temporada, porque no tengo tiempo para hacerlo”.  Prefiero hacer una muestra perfecta y dársela a alguien más para que la reproduzca.  De esa forma, las prendas llegan listas, con sus etiquetas y demás detalles listas para exhibirse y ponerlas a la venta.”

Existen muchas formas en que las que puedes confeccionar tus diseños:

  • Piezas únicas hechas a mano por ti misma.
  • Piezas hechas por personal contratado o costureros independientes, que puedes encontrar en Upwork o en programas de pasantías universitarias.
  • Subcontratar fábricas locales como Maker’s Row y MFG (EE.UU.)
  • Subcontratar fábricas en el extranjero. Prueba Alibaba.

Algunas preguntas pueden ayudarte a decidir cómo llevar a cabo tu proceso de producción:

  • ¿Qué tan grandes son tus ciclos de producción?
  • ¿El aspecto “Hecho en Estados Unidos” o “hecho en casa” es importante para ti?
  • ¿Te preocupa más la manufactura ética o los costos de producción bajos?
  • ¿Qué tanto deseas involucrarte en el proceso de producción?

Para Sarah era importante supervisar de cerca el proceso, y considera que a su clientela le importa que la manufactura se realice localmente y éticamente, lo suficiente para paga extra por eso.

“Obviamente, lo hecho en Estados Unidos conlleva un precio de venta más alto, pero creo que vale la pena a cambio de obtener artículos de calidad.  Creo que la transparencia es un aspecto extra muy valioso.  La gente gastará 50 dólares más si realmente creen en un producto, o saben que están vistiendo una prenda con significado, y no algo barato que pueden tirar en la lavadora.”

La gente gastará 50 dólares más si realmente creen en un producto, o saben que están vistiendo una prenda con significado.

A la hora de escoger fábricas locales, Sarah cree que es fundamental visitar cada una para tener una visión de sus prácticas, así como solicitar muestras de sus trabajos para evaluar sus destrezas.

Su experiencia en el mundo corporativo le enseñó a no poner todos los huevos en una misma canasta.

“Las grandes compañías como Walmart emplean diferentes fábricas para distintas cosas, así que quizás haya alguien que sepa hacer ropa tejida o confeccione pantalones mejor.  Trato de identificar las fortalezas y debilidades de las fábricas y a partir de esa información preparo una base de datos con toda la información que he recolectado”.

Adquisición de telas y diseño textil

Sarah admite que para adquirir telas las relaciones son fundamentales.  Construir una red en la industria puede ayudarte a obtener contactos de agentes de telas, mayoristas, y textileras.

“En Toronto, conocía el mercado de telas.  La tela al mayor la compraba en algunas fábricas en las afueras de Montreal. También trabajé con un agente de textiles en Toronto por un año, por lo que tenía acceso a ciertas telas provenientes de Japón.  En Canadá pasa algo y es que usas un agente, probablemente todos trabajen con ese mismo agente, por lo que todas las líneas de ropa locales terminan utilizando las mismas telas.  Por eso debes ir a Japón o a Nueva York.”

A pesar de sus contactos, el internet comenzó a dificultarle tener telas y estampados únicos, así que para solucionar el problema comenzó a diseñar los suyos propios.  

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Dibujo: Sarah Donofrio

“Cuando me gradué de la universidad en el año 2005 no podías meterte en internet y comprar en Alibaba.  En la actualidad, conozco muchas personas que lo hacen.  Existen muchos más recursos, pero investigar con detalle las diferentes opciones.  Otro problema fue que después de años y años comprando telas en Japón, ahora otras personas también tienen acceso a ellas.  Por eso decidí pulir mis destrezas de diseño textil.  La única forma en la que puedo realmente garantizar que mis piezas sean únicas e irrepetibles es diseñando yo misma los estampados.”

La única forma en la que puedo realmente garantizar que mis piezas sean únicas e irrepetibles es diseñando yo misma los estampados.

Hace un año, Sarah se mudó a Oregon, EE.UU, por lo que debió reconstruir su red de suplidores.

“En la costa oeste de Estados Unidos, la gente va a Los Ángeles a adquirir sus telas.  Tuve que ir unas cuatro o cinco veces hasta que aprendí a dónde tenía que ir, cómo hacer pedidos, qué era único, etc.  Cuando tenía 21 años, me atemorizaba preguntarle a alguien ´¿Oye, podrías darme tu contacto?’  Cuando conectas con otros diseñadores puedes aprender muchas cosas sin parecer tramposo o ser desleal.  Por ejemplo, ´no quiero copiar tu estampado, sólo quiero saber dónde puedo conseguir este tipo de algodón.”

Construye tu red con contactos locales, grupos en meetup o eventos de moda.

Temporadas

La industria de la moda funciona en un ciclo de temporadas (otoño/invierno y primavera/verano), por lo que el desarrollo de una colección puede comenzar con un año o un poco más de anticipación.

“En Walmart, comenzábamos a desarrollar una colección con dos años de antelación.  Las corporaciones tienden a diseñar más rápido, por lo que se investiga mucho las tendencias y se inicia el diseño con anticipación.  Los diseñadores independientes como yo, trabajamos más cerca de la fecha de entrega.”

El cronograma de desarrollo y diseño, así como las fechas de entrega, dependerán de tu cliente y tu estrategia de lanzamiento, afirma Sarah.  Si vendes al mayor, los compradores tendrán que ver tu colección un mes antes de la semana de la moda.

“Yo mostré mi colección de primavera en octubre. pero para el momento en el que muestras tu colección todo se ha terminado, por lo que debes contener las fotos online porque querrás que la gente siga emocionada cuando la colección esté disponible en febrero.  Por lo general, tus colecciones para la siguiente temporada deben estar listas entre seis y ocho meses antes, para que tengas tiempo para fotografiar tu catálogo.”

Para el momento en el que muestras tu colección todo se ha terminado, por lo que debes contener las fotos online porque querrás que la gente siga emocionada cuando la colección esté disponible.

Sarah se da el lujo de poder trabajar hasta bien cerca la fecha de lanzamiento, porque vende únicamente como minorista y a través del ecommerce.

“Actualmente no estoy trabajando al por mayor porque me estoy enfocando en tener mi propia boutique.  En mi caso, puedo tener todo diseñado con ocho o nueve meses de antelación, pero puedo hacer el lanzamiento cuando quiera y no tengo que preocuparme por tener que enviar un catálogo a los compradores.  Cuando trabajas como minorista, no requieres hacerlo con tanta anticipación, además que tienes mayor flexibilidad.  Digamos por ejemplo que una artista famosa, como Ariana Grande, usa una blusa con un gran lazo de lado, a la semana siguiente puedo tener cuatro blusas con lazos estilo pussybow en la tienda, porque yo hago mis propias muestras.”

Fechas importantes en la industria de la moda para tomar en cuenta:

Sin embargo, las temporadas no tienen que determinar tus colecciones.  Sarah asegura que se inclina en trabajar con estampados que funcionan sin importar la temporada.

“Es una pena cuando diseño un hermoso estampado y pienso ´sólo lo tengo para una temporada, sólo tengo una ventana de seis meses´, pero entonces te encuentras a alguien como Hayley Elsaesser, quien tiene estampados que ha utilizado en varias temporadas.  No los clasifica por temporadas, sino por su relevancia, por lo que perduran más en el tiempo.  Siento que puedo hacer estampados de primavera y repetirlos en función de las ventas, sin tener que preocuparme por la temporada.”

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Estampados atemporales por Hayley Elsaesser, foto cortesía de The Kit

Ventas al mayor y a consignación

Actualmente, Sarah no está trabajando de esta forma, pero la venta al mayor jugó un papel determinante en el crecimiento de su marca en los últimos años.

Cuando estás comenzando, me explica Sarah, muchas tiendas no se arriesgarán a menos que estés dispuesta a trabajar a consignación, es decir, que las tiendas sólo te pagan cuando se vende un artículo.  En el caso de la venta al mayor, por lo general, te pagan las piezas por adelantado.

“Todo es una espada de doble filo, pero creo que si comienzas trabajando a consignación, todo el mundo gana.  Es mucho más fácil para una tienda tomar tu colección completa, en lugar de una o dos piezas, porque no tienen nada que perder.  Como diseñador, no es el mejor escenario en términos de ganancias, pero al mismo tiempo, puedes darte a conocer y de esa forma comenzar a construir tu marca”.

Si comienzas trabajando a consignación, todo el mundo gana.

Acercarse a los compradores es una experiencia atemorizante, y Sarah conoce ambos lados de la transacción.  Su experiencia como compradora, la ayudó a destacarse cuando le tocó vender su propia línea.  Debes estar preparada, enfatiza.

“La primera vez que vendí mi línea, entré a una tienda con mi colección de veinticinco piezas, tenía a una modelo conmigo, conocía todas mis medidas, sabía todo perfectamente.  Mi experiencia en Jean Machine me enseñó a acercarme a los compradores.  Los propietarios van a una reunión con Guess y dicen por ejemplo ´sí, nos gusta esto. ¿Cuál es la apertura de la pierna?´ Entonces pensé ´¿qué preguntas me harán los compradores a mi?.  No puedes tener sólo ropa bonita, tienes que saber cada detalle.”

No puedes tener sólo ropa bonita, tienes que saber cada detalle. 

Salir a la calle le funcionó a Sarah cuando comenzó, pero me pregunto ¿hay alguien que todavía haga cosas en persona?  Sarah cree que todavía vale la pena el enfoque cara a cara, pero sugiere encontrar un punto medio.

“Es muy fácil enviar un correo electrónico, pero piensa en un editor de moda o el propietario de una tienda.  ¿Cuántos correos reciben al día?  Siempre valdrá la pena salir a la calle y tocar directamente la puerta.  Como compradora, personalmente no me gustaba cuando la gente llegaba para hacer una cita de compras sin previo aviso, así que sugiero encontrar un punto medio.  Visita las tiendas y deja tu catálogo o tan sólo tu tarjeta, o en lugar de enviar un correo genérico a info@, haz una búsqueda en Google para averiguar quien es el comprador y envíale un mensaje personal.  Existen formas en las que puedes contactar a las persona sin acosarlas o sin quedarte escondido detrás de la pantalla del ordenador.”

Tienda online y canales de ventas sociales

Primero, vamos a abrir tu tienda.  Sólo toma unos minutos hacerlo y te daremos algo de tiempo para que juegues con ella antes de comprometerte. 

Una tienda online profesional puede servir para dos propósitos: es una forma de venderle directamente a tus clientes por supuesto, pero también sirve como un catálogo dinámico que puedes compartir con compradores y en las redes sociales.

Selecciona un Tema de Shopify que muestre primero las imágenes.  Te recomendamos estos para empezar:

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La industria de la moda es una vertical ideal para la venta social.  Considera expandir tu alcance vendiendo a través de estos canales y apps:

  • Pinterest: vende directamente a tus seguidores con los pines comprables
  • Wanelo: accede a una red de millones de usuarios activos y usa la integración con Shopify para venderles.
  • Facebook: activa el canal de compras en Shopify.
  • Instagram: convierte tus publicaciones en una galería de compras.

Existe una gran variedad de apps en la tienda de aplicaciones de Shopify (en inglés) diseñadas específicamente para ayudar a los comerciantes del mundo de la moda con temas comunes, como las medidas y tallas,  así como a ofrecer ofertas relámpago.

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Anatomía de una página de inicio:  One Imaginary Girl

Mercados, tiendas pop-ups y comercio minorista

A Sarah le tomó 11 años alcanzar una posición en la que está considerando seriamente abrir su propia tienda boutique. Pero no es un salto de fe, es una movida para la cual se ha estado preparando desde hace tiempo.  A través de la evolución de su marca, ella usó los mercados locales y ferias para obtener más información acerca de su clientela, probar su merchandising, dar a conocer su marca, y construir relaciones en la industria.

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Sarah Donofrio

En Portland, dio el siguiente paso, y llevó su experimento minorista al siguiente nivel con una tienda pop-up que tuvo abierta por tres meses, hasta el fin de semana de Black Friday.

“Siempre tuve miedo de abrir mi propia tienda debido a los gastos que implica, además del alquiler, en especial en Toronto.  Simplemente no era posible.  La tienda pop-up que tengo actualmente está en un área en Portland que no es muy concurrida.  Puedo pagar el alquiler y las cuentas, y genero ingresos,  Esa es la situación ideal.”

Siempre tuve miedo de abrir mi propia tienda debido a los gastos que implica, además del alquiler, en especial en Toronto.  Simplemente no era posible.

En el proceso, aprendió que podía utilizar seis manos más.

“Me di cuenta que si me iba a mudar a una locación permanente a la larga, iba a necesitar ayuda en la tienda.  Contraté a una chica que estudia diseño de moda y trabaja en la tienda una o dos veces por semana, por lo que tengo por lo menos cuatro días para trabajar y desarrollar mis diseños.  Ahora tengo tiempo para desarrollar mi propia línea y estampados, mientras ella supervisa la tienda.  Cuando tienes una tienda minorista y una marca de ropa, como ocurre con muchos emprendedores, sólo debes aprender a asignar los recursos.  Fue algo que me tomó mucho tiempo aprender, pero mi tiempo vale mucho más que lo que pago para que me ayuden en la tienda.”

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Project Runway

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Foto:Denny Balmaceda

Sarah participó en la temporada 15 de Project Runway y aunque no resultó la ganadora, la experiencia le enseñó algunas lecciones importantes sobre sí misma y la industria a la que pertenece.

Aunque entiende que ser reactivo en esta industria es una ventaja, Sarah sabe que se destaca cuando tiene más espacio de maniobra.

“Soy una ferviente creyente del desarrollo debido a mi formación y experiencia, así que cuando vi lo que la gente podía hacer en un período tan corto de tiempo quedé impresionada.  Pero para mi no es un ritmo para nada realista.  Es una pena que mi mejor trabajo no pudo verse en televisión”.

Cuando vi lo que la gente podía hacer en un período tan corto de tiempo quedé impresionada.

También enfrentó una de las cosas más temibles para un artista: los haters.  Sarah quedó eliminada en el cuarto episodio cuando su traje de baño no resultó del agrado de los jueces.  Para su sorpresa, recibió más tuits positivos que negativos de parte de los fanáticos del programa.  Moraleja: tu público no es todo el mundo.

“El programa me enseñó que todo es cuestión de gustos.  Sin importar lo que algunas personas piensen de tu trabajo, siempre habrá a alguien a quien le guste”.

Hoy en día, One Imaginary Girl es un negocio pujante porque Sarah siguió sus sueños, incluso en los momentos más difíciles, y aprendió de cada paso en falso para reconducir su camino.  A veces el camino era riesgoso, pero como ella afirma, es la única forma de crecer.

“Con el tiempo aprendes a tomar riesgos.  Tenía telas en mi casa cogiendo polvo y dudaba en utilizarlas.  Ya no es así, ahora me lanzo al agua y me pongo a crear.  La peor diligencia es la que no se hace, así que prefiero desarrollar una pieza y ver que tal resulta”.


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Publicado por Pablo Golán, editor en jefe del blog de Shopify en español y responsable de marketing de contenidos y localización para España y Latinoamérica. Texto original de Dayna Winter. Traducción a cargo de Gabriela Agüero.

 

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